In den ihren ortsbezogenen Arbeiten entwickelt Stephanie Kiwitt (geb. 1972 in Bonn, lebt in Halle) jeweils spezifische fotografische Sichtweisen und überführt diese in verschiedene Strukturen der Präsentation. Kiwitts Interesse liegt in der sorgfältigen Analyse alltäglicher Orte (Parkplätze, Fitnesscenter, Discounter), die Phänomene unserer Zeit repräsentieren. Mit den aktuellen Arbeiten, „Flächenland" und „fortlaufend" (beide 2022), stellt Kiwitt landschaftliche Räume und Ausschnitte architektonischer Flächen einander gegenüber und setzt somit subjektive Erzählungen und Aufnahmetechniken miteinander ins Verhältnis. Die sich aufeinander beziehenden Serien zeigen durch ökonomische und gesellschaftliche Prozesse geschaffene Lebensräume in Sachsen-Anhalt, deren Umgestaltung andauert. Die installative Präsentation wurde eigens für den Ausstellungsraum entwickelt.

Jens Klein (geb. 1970 in Apolda, lebt in Leipzig) arbeitet als Fotograf zumeist mit gefundenen Bildaufnahmen. Er stellt seine Bildreihen aus den Materialien fotografischer Archive zusammen und entwickelt eigene fotografische Erzählungen. Er dokumentiert und hinterfragt den Gebrauch oder auch Missbrauch von Fotografie. Keine der von Klein genutzten Aufnahmen entstanden mit künstlerischen Ambitionen, oft bleiben die Fotograf*innen anonym. Nicht selten waren es praktische Interessen, diese Bilder aufzunehmen, zumeist, um Personen, Szenen, Objekte für die Erinnerung festzuhalten.
So kann die Fotoserie „Bewerberinnen/Bewerber“ (2017) als ein historisches Dokument, das die Geschichte der Fotografie widerspiegelt, gelesen werden. Passbilder von Stipendiat*innen aus dem Archiv des Evangelischen Studienwerks Villigst e. V. von 1950 bis 2012 zeigt die Reihe und verdeutlicht, wie sich die Selbstdarstellung und das Medium Fotografie verändert haben: von schwarz-weiß zur Farbe, vom analogen hin zum digitalen Medium, vom aufwendigen Studiobild zum schnellen Automatenfoto.

Auf den ersten Blick haben die Entstehungsmethoden der Bildessays von Matthias Zielfeld (geb. 1976 in Esslingen am Neckar, lebt in Leipzig) aktionistische Züge. „das heft deutschland 6“ zum Beispiel zeigt Aufnahmen aus einer Aldi-Filiale in Leipzig: Menschen, die in Zeitungen stöbern, Einkaufszettel überprüfen, an der Kasse anstehen oder Zutatenlisten lesen. Es sind Momente des banalen Alltäglichen, die Zielfeld einfängt. Tatsächlich aber geht es dem Fotografen darum, das Klima sozialer Räume und sozialen Verhaltens mit der Kamera auszutesten und fotografisch zu reproduzieren. Seine fotografischen Streifzüge führen ihn gezielt über bevölkerte Plätze, an Straßenkreuzungen oder über Baustellen.
Zielfeld überschreibt seine Fotoserien mit „das heft deutschland“, wobei jede Reihe ihr eigenes Konzept besitzt. „In jeder Ausgabe biete ich einen jeweils spezifischen Blick auf etwas, das ich mit „deutschland“ betitele. Ich erwarte eine Interferenz zwischen dem Titel und dem Inhalt der jeweiligen Ausgabe.“ Matthias Zielfeld

Die Ausstellung wird gefördert von:

John Smith wurde 1952 in Walthamstow, London, geboren. Er studierte an der North-East London Polytechnic und dem Royal College of Art. Seine frühen Arbeiten sind von der Konzeptkunst und dem Strukturellen Film inspiriert, ebenso faszinierte ihn die immersive Macht des Narrativs und des gesprochenen Worts. Daraus entwickelte er ein vielfältiges Œuvre, welches die wahrgenommenen Grenzen zwischen dem Dokumentarischen, Fiktion, Repräsentation und Abstraktion unterwandert. Oft im Alltag verwurzelt, erkunden und entlarven seine akribisch gestalteten Filme spielerisch die Sprache des Kinos.
Heute lebt und arbeitet Smith in London. Er ist emeritierter Professor of Fine Art der University of East London.

Seit 1972 hat Smith über 60 Film-, Video- und Installationsarbeiten gemacht. Für sie erhielt John Smith bedeutende Preise von internationalen Film Festivals in Oberhausen, Leipzig, Hamburg, Stuttgart, Graz, Genf, Uppsala, Pamplona, Bordeaux, Lucca, Palermo, Split, Cork, Seoul, Ann Arbor und Chicago. Ihm wurde der Paul Hamlyn Foundation Award für Künstler in 2011 verliehen, und in 2013 war er der Gewinner des Film London's Jarman Award. Sein Werke befinden sich in zahlreichen Museumssammlungen.

The rapidly merging Europe of West and East and the increasing loss of national and regional sovereignty in politics and the economy often only provide subsidized major events for the associated cultural change. Old and new cultural traditions and lifestyles remain in the blind spot of public perception as long as they cannot be commercialized in a folkloristic and tourist way.
Eléonore de Montesquiou shows the rarely discussed reality of her own generation, for whom change and a life in transit are normal.

Eléonore de Montesquiou was born in Paris in 1970 and lives and works in Berlin. In the French-Estonian artist's documentary-style film works, her camera becomes “the voice of these voiceless people” that she shows, writes critic Thibaut de Ruyter.

Frieder Heinze wurde 1950 in Leipzig geboren und lebt seit 1991 in Großpelsen, Leisnig. Er studierte an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig bei Werner Tübke und Wolfgang Mattheuer, wurde anschließend Meisterschüler bei Tübke und Bernhard Heisig. Ab 1977 beginnt Heinze mit bildhauerischer Arbeit bei Günther Huniat und arbeitet freischaffend in Leipzig. Schon zu Studienzeiten knüpfte Heinze intensive künstlerische Kontakte zu „unangepassten“ Künstlern und war 1984 Mitinitiator der wohl bedeutendsten non-konformen Ausstellung in der DDR, dem 1. Leipziger Herbstsalon.

Die Werke Frieder Heinzes laden dazu ein, seine eigenen Geschichten in den Bildern zu lesen. Sie mögen auf den ersten Blick kindlich-naiv anmuten, doch die rätselhafte Zusammensetzung von Figur, Form und Farbe lässt alles offen, macht jedes Bild zu einem Rätsel, das sein Geheimnis nie preisgeben wird.

So zeigt das Werk „Morpheus“ (2018) über das Format fließende Linien. Sie konzentrieren sich in tiefem Schwarz, das irgendwie bedrohlich anmutet, werden überlagert von einem vertikalen Streifen von durchscheinendem Pink und zarten, hellen Bändern. Sie wirken wie Laken, die über Interieur einer leerstehenden Wohnung gelegt werden. Die Stofflichkeit dieser Farbbänder wirft die Frage auf, was sie verdecken: Was schlummert da in unserem Unterbewusstsein? Was werden unsere Träume zum Vorschein bringen, wenn der Schleier im Schlaf gelüftet wird? Der helle Pfirsichton des Hintergrundes erinnert an die pastellige Farbigkeit des Morgenhimmels. Das Dunkel der Nacht wird vom Licht des aufkommenden Tags verdrängt, der Zugang zur Traumwelt verschlossen.

In „a dream of: LIGHTING UP THE DARK“ (2018) sind es die orange- und pinkfarbenen Linien, die einen Kontrast zu dem kräftigen Blau und Schwarz bilden und vom dem im Titel des Gemäldes benannten Licht in der Dunkelheit zeugen.

Die Serie „Hold on to yourself“ entstand während des Corona-Lockdowns im Frühjahr 2020. Graue und schwarze Linien bewegen sich auf hellem, mit farbigen Akzenten durchsetztem Untergrund. Teils einander überlagernd, teils sich befreiend, es hat den Anschein eines Kampfes. Tomasko setzt hier der Realität der sich ausbreitenden Pandemie eine Traumwelt entgegen.

Liliane Tomasko (* 1967 in Zürich) studierte an der Camberwell School of Art, am Chelsea College of Art and Design und an der Royal Academy of Arts in London.
Ihre Werke werden in Museen und Galerien in Einzel- und Gruppenausstellungen weltweit gezeigt, u.a. im Château La Coste, Frankreich, im Museo MATE, Lima, im Rockland Center for the Arts, New York State, in der Fundación Bancaja, Valencia, und im Lowe Art Museum, Miami, und befinden sich in internationalen öffentlichen und privaten Sammlungen. Tomasko lebt und arbeitet in New York und Bayern.

Olaf Wegewitz, bekannt durch seine wundervoll sinnreichen, handgefertigten Künstlerbücher und beidseitig gestalteten farbigen Zeichnungen, entschied sich nach dieser Reise, zur Malerei zurückzukehren und die noch wachen Eindrücke auf einem Bild von 100 Metern Länge festzuhalten. Dafür entstand ein Holzgestell mit zwei übereinander liegenden Rollen. Während der drei Jahre dauernden Entstehung des Gemäldes wurde es von der oberen auf die untere Rolle gewickelt, wobei immer nur ein Abschnitt von ca. 3 Metern Leinwand sichtbar war. Die Entstehung des Bildes folgt der Wanderung. Nie lässt sich die gesamte Strecke überblicken, immer reicht der Blick nur bis zum Horizont.

Die Ausstellung zeigt dieses besondere Gemälde und zahlreiche Zeichnungen, Fotografien, Notizen zum Reiseweg von 1.340 Kilometern Länge, in 35 Tagen, entlang der Natur und Zivilisation von Olaf und Lienhard Wegewitz.

Die amerikanische Künstlerin Nan Hoover (1931-2008) siedelte 1969 nach Amsterdam über und wurde zu einer Wegbereiterin der Videokunst in Europa. Aus der Kunst der Performance hervorgegangen, untersuchen ihre frühen Videos die Beziehung zwischen Körper und Licht. So steht am Anfang des Mediums Video die Frage der Selbsterkundung mit der Kamera, gleichzeitig aber verleitet die Technik elektronischer Bilder und Klänge zum visionären Experiment und zu ungeahnten Ausflügen ins Grenzenlose.

Mit dem deutschen Videokünstler Bjørn Melhus (geb. 1966) und der israelischen Künstlerin Yehudit Sasportas (geb. 1969) sind zwei wichtige Akteur*innen aus der aktuellen Szene der internationalen Videokunst vertreten. In ihren Arbeiten zeigt sich, dass das elektronische Bildmedium heute zunehmend einer kritischen Selbstreflexion unterzogen wird. „Emotion Field“ von Bjørn Melhus nutzt die Suggestion farbigen Lichts auf Monitoren, gekoppelt an eine Toncollage aus Hollywood-Trickfilmen, um in den individuellen Erinnerungen der Betrachter*innen die gespeicherten Bilder der Filmindustrie aufzustöbern. „The Lightworkers“ von Yehudit Sasportas entführt die Betrachter*innen in eine Paradies- oder Endzeitsituation. Deren allmähliche Wandlungen scheinen, von unbekannter Hand gesteuert, bereits in einem Schwebezustand zu existieren, der einer künstlichen, immer perfekter werdenden medialen Realität entspricht, deren Quellen verborgen bleiben.