Als die Fotografin Susan Meiselas 1979 in Nicaragua den Auslöser ihrer Kamera drückte und einen Mann einfing, der in der linken Hand das Gewehr, mit der rechten einen Molotow-Cocktail warf, schuf sie ein Kultbild der Revolution, das über die Jahrzehnte zu einem internationalen Symbolbild gegen Unterdrückung geworden ist, fest verankert im kollektiven Bildgedächtnis unserer Zeit und massenhaft reproduziert.

Große Fenster öffnen den Blick aus dem neuen Ausstellungsraum in die Stadt und ermöglichen, die Kunst in den lichtdurchfluteten Räumen in Szene zu setzten.

Die Ausstellungsfläche bietet Platz, das Ergebnis der Sammeltätigkeit der letzten 20 Jahre zu präsentierten - vornehmlich Werke internationaler Gegenwartskunst der Malerei und Fotografie. Dazu zählen Werke von Liliane Tomasko, Sven Johne, Brian Eno, Xanti Schwawinsky, Alica Paz und Peter Herrmann.

Im Zuge der Bauarbeiten im Nordflügel des Kunstmuseums wurde auch das Obere Tonnengewölbe bzw. ehemalige Refektorium saniert, hier wird wie zuvor die internationale Kunst nach 1945 ihren Platz finden.

Zandile Tshabalalas Gemälde erzählen Geschichten von Leichtigkeit, Stärke und Selbstvertrauen - von Frauen ihresgleichen in den 2020er Jahren: jung und Schwarz.

Das neue Kunstmuseum Magdeburg: Eröffnungsfest

Mit einem großen Fest für alle wurde am Samstag, 17. September 2022 im Kunstmuseum Magdeburg die Eröffnung des neuen Ausstellungsraums im Nordflügel und die sanierte Klosterkirche gefeiert.

Die Feierlichkeiten rund um die baulichen Veränderungen begannen mit einem Festakt am Freitag, 16. September. Ein besonderes Ereignis an diesem Tag war die Uraufführung des Musiktheaterstücks „Mechthild – Ein Mysterienspiel“ in der Klosterkirche. Die Inszenierung zur Magdeburger Mystikerin Mechthild wae Auftakt für die erneute musikalische Zusammenarbeit zwischen Gesellschaftshaus und Kunstmuseum.

Mit Musik, Tanz, Gesprächsrunden, Lesungen und Führungen feierten wir am Samstag, 17. September ein Eröffnungsfest für die Kunst und Architektur: Mit dem Ausbau des Dachgeschosses erweitert sich der Dauerausstellungsbereich im Nordflügel um eine vierte Etage und damit auch der chronologische Rundgang durch die Sammlung des Museums. In den lichtdurchfluteten neuen Räumen werden vornehmlich Kunstwerke jüngerer Entstehungszeit gezeigt, darunter Werke von Liliane Tomasko, Sven Johne und Alicia Paz.
Nach zweijähriger Bauphase ist auch die Klosterkirche wieder zugänglich. Dort erfolgte die Wiedererrichtung des Kreuzrippengewölbes im Chorgewölbe und in der Chorapsis. Im 2. Weltkrieg durch Bomben zerstört, hatte man an dieser Stelle den Abschluss mit einer flachen Holzbalkendecke hergestellt. Die inzwischen beendete Sanierung bot die Chance, etwas zu tun, was heute nur noch selten geschieht: ein Gewölbe neu zu mauern und der Kirche damit ihre gotische Deckenkonstruktion zurückzugeben. Gemeinsam mit den aus der Zeit stammenden Fensterformen und Wandvorlagen im Chor wird jetzt die gestalterische Qualität der Zeit um 1240 wieder erlebbar.

In den ihren ortsbezogenen Arbeiten entwickelt Stephanie Kiwitt (geb. 1972 in Bonn, lebt in Halle) jeweils spezifische fotografische Sichtweisen und überführt diese in verschiedene Strukturen der Präsentation. Kiwitts Interesse liegt in der sorgfältigen Analyse alltäglicher Orte (Parkplätze, Fitnesscenter, Discounter), die Phänomene unserer Zeit repräsentieren. Mit den aktuellen Arbeiten, „Flächenland" und „fortlaufend" (beide 2022), stellt Kiwitt landschaftliche Räume und Ausschnitte architektonischer Flächen einander gegenüber und setzt somit subjektive Erzählungen und Aufnahmetechniken miteinander ins Verhältnis. Die sich aufeinander beziehenden Serien zeigen durch ökonomische und gesellschaftliche Prozesse geschaffene Lebensräume in Sachsen-Anhalt, deren Umgestaltung andauert. Die installative Präsentation wurde eigens für den Ausstellungsraum entwickelt.

Jens Klein (geb. 1970 in Apolda, lebt in Leipzig) arbeitet als Fotograf zumeist mit gefundenen Bildaufnahmen. Er stellt seine Bildreihen aus den Materialien fotografischer Archive zusammen und entwickelt eigene fotografische Erzählungen. Er dokumentiert und hinterfragt den Gebrauch oder auch Missbrauch von Fotografie. Keine der von Klein genutzten Aufnahmen entstanden mit künstlerischen Ambitionen, oft bleiben die Fotograf*innen anonym. Nicht selten waren es praktische Interessen, diese Bilder aufzunehmen, zumeist, um Personen, Szenen, Objekte für die Erinnerung festzuhalten.
So kann die Fotoserie „Bewerberinnen/Bewerber“ (2017) als ein historisches Dokument, das die Geschichte der Fotografie widerspiegelt, gelesen werden. Passbilder von Stipendiat*innen aus dem Archiv des Evangelischen Studienwerks Villigst e. V. von 1950 bis 2012 zeigt die Reihe und verdeutlicht, wie sich die Selbstdarstellung und das Medium Fotografie verändert haben: von schwarz-weiß zur Farbe, vom analogen hin zum digitalen Medium, vom aufwendigen Studiobild zum schnellen Automatenfoto.

Auf den ersten Blick haben die Entstehungsmethoden der Bildessays von Matthias Zielfeld (geb. 1976 in Esslingen am Neckar, lebt in Leipzig) aktionistische Züge. „das heft deutschland 6“ zum Beispiel zeigt Aufnahmen aus einer Aldi-Filiale in Leipzig: Menschen, die in Zeitungen stöbern, Einkaufszettel überprüfen, an der Kasse anstehen oder Zutatenlisten lesen. Es sind Momente des banalen Alltäglichen, die Zielfeld einfängt. Tatsächlich aber geht es dem Fotografen darum, das Klima sozialer Räume und sozialen Verhaltens mit der Kamera auszutesten und fotografisch zu reproduzieren. Seine fotografischen Streifzüge führen ihn gezielt über bevölkerte Plätze, an Straßenkreuzungen oder über Baustellen.
Zielfeld überschreibt seine Fotoserien mit „das heft deutschland“, wobei jede Reihe ihr eigenes Konzept besitzt. „In jeder Ausgabe biete ich einen jeweils spezifischen Blick auf etwas, das ich mit „deutschland“ betitele. Ich erwarte eine Interferenz zwischen dem Titel und dem Inhalt der jeweiligen Ausgabe.“ Matthias Zielfeld

Die Ausstellung wird gefördert von:

Das aus West und Ost schnell zusammenwachsende Europa und der zunehmende Wegfall nationaler und regionaler Souveränitäten in Politik und Wirtschaft halten für den damit verbundenen kulturellen Wandel oftmals nur subventionierte Großveranstaltungen bereit. Alte und neue kulturelle Traditionen und Lebensgewohnheiten verbleiben im toten Winkel öffentlicher Wahrnehmung, soweit sie sich nicht folkloristisch-touristisch kommerzialisieren lassen.

Eléonore de Montesquiou zeigt die selten thematisierte Wirklichkeit ihrer eigenen Generation, für die der Wandel und ein Leben im Transit Normalität ist.

Eléonore de Montesquiou wurde 1970 in Paris geboren und lebt und arbeitet in Berlin. In den filmischen Arbeiten der Französisch-Estnischen Künstlerin im dokumentarischen Stil wird ihre Kamera zu „der Stimme, dieser stimmenlosen Menschen“, welche sie zeigt, schreibt der Kritiker Thibaut de Ruyter.

John Smith wurde 1952 in Walthamstow, London, geboren. Er studierte an der North-East London Polytechnic und dem Royal College of Art. Seine frühen Arbeiten sind von der Konzeptkunst und dem Strukturellen Film inspiriert, ebenso faszinierte ihn die immersive Macht des Narrativs und des gesprochenen Worts. Daraus entwickelte er ein vielfältiges Œuvre, welches die wahrgenommenen Grenzen zwischen dem Dokumentarischen, Fiktion, Repräsentation und Abstraktion unterwandert. Oft im Alltag verwurzelt, erkunden und entlarven seine akribisch gestalteten Filme spielerisch die Sprache des Kinos.
Heute lebt und arbeitet Smith in London. Er ist emeritierter Professor of Fine Art der University of East London.

Seit 1972 hat Smith über 60 Film-, Video- und Installationsarbeiten gemacht. Für sie erhielt John Smith bedeutende Preise von internationalen Film Festivals in Oberhausen, Leipzig, Hamburg, Stuttgart, Graz, Genf, Uppsala, Pamplona, Bordeaux, Lucca, Palermo, Split, Cork, Seoul, Ann Arbor und Chicago. Ihm wurde der Paul Hamlyn Foundation Award für Künstler in 2011 verliehen, und in 2013 war er der Gewinner des Film London's Jarman Award. Sein Werke befinden sich in zahlreichen Museumssammlungen.